Lisää toivelistaan »
14 helmi 2025
Tags: Taiteilijat, Klassinen taide, Väriteoria, Haastattelut
Taiteilijoiden täysin ainutlaatuiset väripaletit ovat tärkeä osa heidän identiteettiään, ja sen ansiosta monet ovat onnistuneet jättämään jälkensä taidehistoriaan. Tässä artikkelissa tutkitaan, miten valitut taiteilijat ovat käyttäneet värejä välittääkseen tunteita, luodakseen tunnelmia ja tehdäkseen teoksista omanlaisiansa. Se voi näyttää yksinkertaiselta, mutta usein värit välittävät enemmän kuin ensi silmäyksellä voidaan luulla.
Mikä on taiteilijalle tunnusomaista? Joillekin tunnetuille taiteilijoille se on aihe, omaperäiset siveltimenvedot tai yksinkertaisesti väriskaala. Jotkut taiteilijat ovat, joskus monen vuoden harjoittelun jälkeen, löytäneet sävyjä, joista on tullut osa heidän omaa väripalettiaan. Näistä valituista väreistä on siis ajan myötä tullut taiteilijan synonyymejä, niin että ne yhdistetään helposti taiteilijan väriksi. Olemme koonneet alle joitakin taiteilijoita, jotka ovat löytäneet väriskaalansa ja pitäytyvät siinä.
Hollantilainen Vincent van Gogh (1853–1890) yhdistetään usein voimakkaisiin väreihin, kuten siniseen ja auringonkukankeltaiseen. Vaikka monissa hänen tunnetuimmista teoksistaan on paljon voimakkaita värejä, hän on myös maalannut useita teoksia, joissa ei ole ollenkaan sama intensiivinen ja kutsuva väriskaala. Haagissa ollessaan hän maalasi pääasiassa sävy sävyyn sointuvia tauluja, keskittyen harmaisiin ja sinisiin sävyihin yksinkertaisesti siksi, koska ne olivat värejä, joita käytettiin häntä ympäröivissä tauluissa.
Van Gogh oli todella kiinnostunut väreistä, ja opiskeli väriteoriaa lukuisista aihetta käsittelevistä kirjoista. Opiskellessaan hän löysi täydentäviä värejä, eli värejä, jotka ovat väriympyrän vastakkaisella puolella. Hän alkoi kokeilla näitä värejä ”synkällä” tavalla, mutta vasta Pariisiin muutettuaan hänen värinsä muuttuivat tunnusomaisen kirkkaiksi.
Hänen tunnetuissa maalauksissaan on paljon keltaista ja sinistä, ja myös näiden kahden värin useita eri sävyjä, kuten hieman ruskeampaa keltaista ja purppuraista sinistä. Van Gogh on yksi taidehistorian mestareista, joka käyttää täydentäviä värejä vastakohtien vahvistamiseksi ja huomiota herättävien teosten luomiseksi.
Lue myös lisää väriteoriasta ja täydentävistä väreistä täältä.
Claude Monet (1840–1926) on toinen taiteilija, joka käytti värejä uudella tavalla. Hän työskenteli paljon valon ja värin vuorovaikutuksen parissa – maalaamalla pienin vedoin puhtailla väreillä maalauskankaalle, antoi maalaus kaukaa katsottuna näyttävän vaikutelman, joka jäljittelee todellisen valon käyttäytymistä. Monet maalasi samoja luontoaiheita kerta toisensa jälkeen eri vuorokaudenaikoina ja erilaisissa sääolosuhteissa ja oppi näin, miten luonnon värit toimivat.
Monet opiskeli myös innokkaasti väriteoriaa soveltaakseen sitä työhönsä. Hän kokeili maalaamalla eri värejä vierekkäin tutkiakseen, miten ne toimivat ja täydensivät toisiaan. Hänen tunnetuimmissa teoksissaan on ”itsestään hohtava" tunnelma, jossa on usein erilaisia sinisen, violetin ja kullan sävyjä, kuten maalauksessa ”Water Lilies”.
Venäläinen taiteilija Wassily Kandinsky (1866-1944) on abstraktin taiteen pioneeri. Hänen kiinnostuksensa väreihin ulottuu aina lapsuuteen asti, mikä sai hänet jo varhain kiinnostumaan värien symboliikasta ja sen yhteydestä psykologiaan. Hän kokeili useita vuosia erilaisia tekniikoita, mukaan lukien pointillismia (pieniä viivoja tai pisteitä, jotka yhdessä muodostavat vain yhden kuvan).
Valitusta maalauksestamme "Crossing Lines", joka on peräisin jostakin hänen myöhemmistä ajanjaksoistaan, löydämme abstraktia taidetta geometristen linjojen muodossa, ja mitä voidaan lähinnä kuvailla "järjestäytyneeksi kaaokseksi". Hänen valitsemansa väripaletti on kuitenkin yksinkertainen, paletissa päävärit yhdistetään harmonian luomiseksi. Vaikka hänen maalauksessaan tapahtuu paljon, muodot ovat kuitenkin yksinkertaisia ja väriskaala selkeä ja suoraviivainen.
Kun ajattelee taiteilija Gustav Klimtin (1862–1918) väripalettia, mieleen tulevat usein lämpimät, kullanväriset ja energiset värit. ”The Kiss” on tyypillinen Klimt, jossa kulta hohtaa kauniisti. Klimtin kullanvärinen ajanjakso johtuu oikeastaan siitä, että hänen isänsä työskenteli kultaseppänä Klimtin lapsuudessa. Siksi uskomme, että kulta on aina ollut hänen mukanaan jollain tavalla, ja että hän aiempien kullanväristen teosten tutkimisen yhteydessä löysi tavan sisällyttää kultaa teoksiinsa ilmaistakseen erilaisia tunteita.
Klimtin aikana kulta värinä yhdistettiin keskiaikaisiin maalauksiin, vanhempiin kirjoituksiin, ja monella tapaa "vanhentuneisiin" teoksiin. Klimt löysi siten tavan luoda kultaisella värillä uudella tavalla, kuten teoksessa ”The Kiss", jossa kultaista väriä käytetään luomaan voimakasta rakkauden ja läheisyyden tunnetta – mutta myös ylellisyyttä. Klimt onnistui siten kuvaamaan intohimoa taidokkaasti omalla tavallaan, käyttämällä värejä, joiden kanssa hän tunsi olonsa turvalliseksi.
Pop-taide koki uuden elpymisen David Hockneyn (1937–) ikonisissa maalauksissa. Hänen aiheensa löytyvät kiehtovasti Los Angelesin uima-altaista, ja ne kuvaavat jotakin, joka on vedessä tai joissain tapauksissa uima-altaan reunalla. Hänen valittuun ”Splash”-sarjaansa kuuluvat ”The Little Splash”, ”The Splash” ja myös ”A Bigger Splash”. Kolmen maalauksen koostumus on samanlainen, ja varsinainen rauhallinen aihe herää eloon muutamalla hyvin vedetyllä siveltimenvedolla, jotka luovat liikettä tyynimmässäkin vedessä.
Hockney on tässä leikkinyt aikansa pop-taiteelle tyypillisellä voimakkaiden kontrastien väripaletilla. Maalaukset luovat iloista tunnelmaa sekä aiheiden että kontrastivärien ansiosta. Hän valitsee pigmentoituja värejä, mikä saa minimalistisen tyylin todella hohtamaan. Veden voimakkaan sinisen värin ansiosta fokus on siveltimenvedoissa, jotka symboloivat veteen putoamista. Hockney kuvasi itse tätä hetkellistä ilmiötä joksikin, joka todella kiehtoi häntä: ”Rakastin ajatusta maalata jotain, mikä tapahtui vain kahdessa sekunnissa. Minulla kestää kaksi viikkoa maalata tämä tapahtuma, joka tapahtuu vain muutamassa sekunnissa."
