Tilføj til ønskeliste »
14 feb 2025
Tags: Kunstnere, Klassisk kunst, Interviews
Kunstneres unikke farvepaletter er en vigtig del af deres identitet, og takket være dem har mange sat deres præg på kunsthistorien. Denne artikel undersøger, hvordan udvalgte kunstnere har brugt farver til at formidle følelser, skabe stemninger og gøre værket til deres eget. Det ser måske enkelt ud, men i mange tilfælde fortæller farver mere, end man umiddelbart skulle tro.
Hvad kendetegner en kunstner? For nogle berømte skabere er det motivet, de karakteristiske penselstrøg eller simpelthen farveskalaen. For nogle kunstnere, indimellem efter mange års øvelse, har fundet de nuancer, som ganske enkelt er blevet en del af deres egen palet. Med tiden er disse udvalgte farver blevet synonyme med deres kunstner, så meget at de let forbindes med deres farve. Vi har samlet nogle kunstnere nedenfor, som har fundet deres farvepalet og besluttet sig for at holde sig til den.
Hollandske Vincent van Gogh (1853-1890) forbindes ofte med stærke farver som blå og solsikkegul. Men selv om mange af hans mest kendte værker er fyldt med stærke farver, har han også malet mange værker, som ikke har en nær så intens og indbydende farveskala. I sin tid i Haag malede han hovedsageligt tone-i-tone-værker med fokus på grå og blå toner, simpelthen fordi det var de farver, som værkerne omkring ham var malet i.
Van Gogh var faktisk meget interesseret i farver og læste bog efter bog om emnet farvelære. Her opdagede han komplementærfarverne, dvs. farverne på den modsatte side af farvecirklen. Han begyndte at eksperimentere med disse farver på en "grumset" måde, men det var først, da han flyttede til Paris, at hans farver blev karakteristisk lysere.
I hans berømte malerier finder vi en masse gult og blåt, og også mange forskellige nuancer inden for disse to, såsom lidt brunere gul og purpurblå. Van Gogh er en af kunsthistoriens mestre i at bruge komplementærfarver til at forstærke kontraster og skabe iøjnefaldende værker.
Læs mere om farveteori og komplementærfarver her.
Claude Monet (1840-1926) er en anden kunstner, som brugte farver på en innovativ måde. Han arbejdede meget med samspillet mellem lys og farve. Ved at male bittesmå striber af ren farve på lærredet skabte det en slående effekt på afstand, som efterligner, hvordan ægte lys opfører sig. Monet malede det samme naturmotiv igen og igen på forskellige tidspunkter af dagen og under forskellige vejrforhold og lærte på den måde, hvordan naturens farver fungerer.
Monet studerede også ivrigt farveteori for at kunne anvende den i sit arbejde. Han eksperimenterede med at male forskellige farver side om side for at undersøge, hvordan de fungerede og supplerede hinanden. Hans mest berømte værker har et "selvlysende" præg, ofte med forskellige nuancer af blå, violet og guld, som i værket "Water Lilies".
Den russiske kunstner Wassily Kandinsky (1866-1944) er en pioner inden for abstrakt kunst. Hans fascination af farver går helt tilbage til barndommen, hvor han tidligt begyndte at interessere sig for farvernes symbolik og deres forbindelse til psykologien. Han eksperimenterede i mange år med forskellige teknikker, bl.a. pointillisme (små linjer eller prikker, der danner et enkelt billede).
I vores udvalgte maleri "Crossing Lines" fra en af hans senere perioder finder vi abstrakt kunst i form af geometriske linjer og det, der bedst kan beskrives som "organiseret kaos". Når alt kommer til alt, er den farvepalet, han har valgt, enkel med primærfarver, der mødes for at skabe harmoni. Selv om der sker meget i hans malerier, er formerne enkle, og farveskalaen er klar og ligetil.
Når man tænker på kunstneren Gustav Klimts (1862-1918) palet, er der en tendens til at tænke på varme, gyldne og energiske farver. "Kysset" er en typisk Klimt, hvor guldet virkelig skinner lidt ekstra. Hans gyldne periode stammer faktisk fra det faktum, at hans far arbejdede som guldsmed, da Klimt voksede op. Derfor tror vi, at guld altid var med ham på en eller anden måde, og at dette, sammen med studiet af tidligere guldværker, fik ham til at finde ud af, hvordan han kunne bringe guld ind i sit arbejde for at udtrykke forskellige følelser.
Guld som farve var på Klimts tid forbundet med middelaldermalerier, ældre skrifter og på mange måder "forældede" værker. Klimt fandt således en måde at skabe med guld på en ny måde, som i "Kysset", hvor guld bruges til at skabe en intens følelse af kærlighed og intimitet, men også luksus. Klimt formåede således at skildre lidenskaben på sin egen unikke måde med farver, som han følte sig godt tilpas med.
Popkunsten blev revitaliseret med David Hockneys (1937-) ikoniske malerier. Hans motiver er fascinerende nok swimmingpools i Los Angeles, hvor han portrætterer nogen i vandet eller i nogle tilfælde på kanten af poolen. Hans udvalgte "Splash"-serie omfatter The Little Splash”, ”The Splash” og også ”A Bigger Splash”. De tre malerier ligner hinanden i komposition, og motivets egentlige stilhed vækkes til live af nogle få, veltegnede penselstrøg, der bringer bevægelse i selv det roligste vand.
Her har Hockney leget med en farvepalet med stærke kontraster, som var typisk for datidens popkunst. Malerierne giver en glad følelse, både på grund af motivet, men også på grund af den kontrastfyldte farveskala. Han vælger pigmenterede farver, som får den minimalistiske stil til at stråle. Takket være vandets stærke blå farve er der fokus på penselstrøgene, som symboliserer den faktiske påvirkning i vandet. Hockney beskrev selv dette øjeblikkelige fænomen som noget, der virkelig fascinerede ham: "Jeg elskede tanken om at male noget, der kun skete i to sekunder; det tager mig to uger at male denne begivenhed, der kun sker i et par sekunder".
